"Vous pourrez manger de tous les arbres du jardin; mais vous ne mangerez pas de l'arbre de la connaissance du bien et du mal, car Dieu sait que, le jour où vous en mangerez, vos yeux s'ouvriront, et que vous serez comme des dieux, connaissant le bien et le mal."

Vidéo réalisée dans le cadre de la commande "La première image" du Cnap avec le G.R.E.C (Groupe de recherches et d'essais cinématographiques)

Vidéo, noir et blanc, sonore, Durée : 9'27'', Sous-titrage en Français

Crédit photographique : Cnap

Les ombres de l'armée napoléonienne tombent sur les murs d'une grotte mystérieuse nommée d'après Marie Jeanne, une combattante de la révolution haïtienne, dont la rébellion est racontée par un mythe local. La bataille qui se déroula à l'intérieur de sa grotte deviendra la révolte d'esclaves la plus aboutie de l'Histoire.

Vidéo, noir et blanc, sonore, Durée 11’11’’

Le Fresnoy Studio national des arts contemporains, Port-a-Pimente (Haïti)

Assistant Animation : Alexandru P. Badelita

Sur les côtes italiennes et françaises, des personnes tirent des cordes, les attachent sur le territoire. Symbolique de notre lien à notre terrain sur lequel nous avons grandi et qui dessine notre devenir.

Vidéo, couleur et noir et blanc, silencieux, Durée : 8'

Transfert de film super 8 et 16mm

Crédit photographique : Galerie Escougnou-Cetraro

Donner à voir à partir du manque : telle est sans doute la quête obsessionnelle des films de Marguerite Duras. Comme ses récits et romans, ils explorent l’absence (absence de l’autre, absence de sens). Si Marguerite Duras a porté à l’écran certains de ses récits, ce film de 1979 n’a pour origine aucun texte autonome. L’écrit vient s’y insérer sous les images, ou au-delà d’elles ; jamais il ne les accompagne.

Vidéo, noir et blanc, sonore, 48 min

Collection 49 Nord 6 Est – Frac Lorraine, Metz (FR)

Cette vidéo a été tournée, comme son titre l'indique, à l'heure où le jour disparaît. Filmé pratiquement à l'aveugle, le paysage apparaît recouvert d'un grain puissant. Des biches et des cerfs pâturent aux portes d'une métropole. Ces animaux sauvages semblent ici perdre leur prestige. Ils ont le corps pelé et paissent dans un décor de forêt transpercé par les lumières de la ville. Le cerf, le chien et parfois le loup appartiennent au bestiaire de la mélancolie.

Vidéo, couleur, sonore, 5:48 min

Musicien : Luc Kheradmand

FNAC 2017-0578 Centre national des arts plastiques Paris-La Défense (France)

Crédit photographique : Jousse Entreprise

La caméra suit une meute de chiens errants qui ont investi Saqqarah, site de la première pyramide égyptienne. Le montage met ces images en parallèle avec celles de fouilles archéologiques qui détaillent les gestes des ouvriers du chantier de restauration de la pyramide ainsi que celles de femmes triant des sacs plastiques dans la déchetterie du Caire.

Vidéo, couleur, son, Durée : 13'06"

Réalisée sur le site de Saqqarah en Egypte

FNAC 09-583 Centre national des arts plastiques Paris-La Défense (France)

© Adagp, Paris / Cnap

Crédit photo : Galerie Kamel Mennour

Há Terra! est une rencontre, une chasse, un conte diachronique du regard et du devenir. Comme dans un jeu, comme dans une course poursuite, le film oscille entre personnage et terre, terre et personnage, prédateur et proie.

Vidéo HD, couleur, sonore, transfert de film 16 mm, Durée: 12'47''

Région de Sertão (Brésil)

Production : Spectre Productions, Rennes (France) (Producteur: Olivier Marboeuf, Producteur associé: Cédric Walter)

FNAC 2017-0524 Centre national des arts plastiques Paris-La Défense (France)

© droits réservés / Cnap

Crédit photographique : Ana Vaz

Dans le monde de perceptions révélé par Edith Dekyndt, tout porte à croire que le silence règne souverain, propice aux moments de réflexion. Alors que la vie n’offre guère de silence, le drapeau transparent, One Second of Silence (Part 01, New-York) (2008), flotte dans les airs laissant sa surface se confondre avec le ciel alentour comme s’il en était l’emblème et donne à entendre métaphoriquement un « silence bruyant ».

Collection 49 Nord 6 Est – Frac Lorraine, Metz (FR)

© E. Dekyndt

Crédit photographique : Liberty Adrien

La vidéo « What we saw upon awakening » [Ce que nous avons vu en nous réveillant], montre une douzaine de jeunes hommes, vêtus de noir, qui tentent de dégager les débris épars d’une maison de Kaboul détruite par des bombardements, une ruine témoignant des conflits armés qui minent la région depuis des dizaines d’années. À l’instar de certains de ses travaux antérieurs, le choix du silence est le fruit d’une stratégie conceptuelle censée faire allusion aux implications des décisions politiques qui affectent les sans-parole, les sans-abris et autres spoliés.

Collection 49 Nord 6 Est – Frac Lorraine, Metz (FR) / Photo : Lida Abdul / © L. Abdul

«Vacuum» représente l’artiste passant l’aspirateur dans le désert entre Jéricho et la Mer morte, l’absurdité du geste fait référence au héros de la mythologie grecque Sisyphe et renvoie à la vie en Palestine. 

Collection 49 Nord 6 Est – Frac Lorraine, Metz (FR) / Photo : Raeda Saadeh / © R. Saadeh

« What we saw upon awakening »

Film 16 mm transféré sur DVD, couleur, son. Durée 6’53’’ / Collection 49 Nord 6 Est – Frac Lorraine, Metz (FR) / Photo : Lida Abdul / © L. Abdul

Salomé Lamas «A Torre», 2015

Peut-être que l’expérience de Kolja de fusionner son corps (humain) avec l’arbre (la nature) en s’aventurant dans une zone entre la terre et le ciel est due à la pureté de son esprit, à la grandeur des idiots ou à la folie des mystiques ; ou tout à la fois ? Peut-être qu'il s'agit d'un symptôme des éclairés - ou tout simplement d'un suicide élaboré ?

Projet réalisé avec des éléments du film "Extinction" (2018) réalisé par Salomé Lamas et produit par O Som e a Furia, en co-production avec Mengamuk Films / Performance Christoph Both-Asmus ("The Tree Walker")

Vidéo HD, noir et blanc, son. Durée: 8' / FNAC 2017-0387 Centre national des arts plastiques / © Salomé Lamas / Cnap

Retour en images sur l’exposition et l’œuvre de l’artiste aux multiples facettes Catherine Meurisse : illustratrice, caricaturiste et autrice de bande dessinée. 

Planche n°4 parue aux éditions Dargaud, 2018.

Mise en couleur d’Isabelle Merlet.

Dans Les Grands espaces, Catherine Meurisse se représente surtout enfant. C’est par l’intermédiaire de son personnage de petite fille qu’elle va retranscrire ses souvenirs. 

Planche n°4 parue aux éditions Dargaud, 2018.

Mise en couleur d’Isabelle Merlet.

Perchée sur sa meule, la petite Catherine veut embrasser le vaste monde. Depuis La Légèreté, son trait s’est assoupli. 

Planche n°4 parue aux éditions Dargaud, 2018.

Mise en couleur d’Isabelle Merlet.

On remarque – sur les vaches, le champ, les bottes de foin – l’influence de la peinture classique sur son dessin.

Planche n°29 parue aux éditions Dargaud, 2018. 

Mise en couleur d’Isabelle Merlet.

Planche n°67 parue aux éditions Dargaud, 2016.
Plume, encre de Chine et encres de couleur.

La couleur fait irruption par à-coups dans La Légèreté, comme dans les branchages de cet arbre, directement dessinés à l’encre de couleur.

Dessin original, pages 86 et 87, paru aux éditions Dargaud, 2019.
Gouache, encres de couleur. 

Cette relecture de La Mort de Sardanapale montre avec quelle fougue et quelle énergie renouvelées Catherine Meurisse s’investit dans l’exploration des couleurs et dans les jeux avec la matière. De nouvelles pistes de travail.

Planche originale parue dans Scènes de la vie hormonale aux éditions Dargaud, page 32, 2016.
Plume, encre de Chine. 

Ma tata Thérèse, texte Fabrice Nicolino, illustrations par Catherine Meurisse, Éditions Sarbacane, 2012.

Diogène, texte de Diogène Mantinée et Diotima Mantinée, illustrations par Catherine Meurisse, Les Portes du monde, 2003.

Une année représente le voyage de la Terre autour du soleil, un mois le cycle de la lune et un jour le résultat du cycle de rotation de la Terre. En revanche, la semaine est une mesure du temps créée sans aucun lien avec l'astronomie.

La semaine est un système artificiel conçu uniquement pour le bien du cycle de vie humain. Pour chaque jour de la semaine, l'artiste Camille Henrot examine les formes de comportement humain standardisées et répétées au sein de la société, en utilisant comme références les domaines de l'anthropologie culturelle, de la religion, des médias sociaux et de la théorie psychanalytique.

Cette exposition se concentre sur les œuvres associées au «samedi» et au «mardi», qui sont présentées parallèlement à la série d’aquarelles de l’artiste.

Tournée à New York, Washington DC, Tahiti et au Royaume de Tonga, sa vidéo Saturday (2017) se concentre sur l'Église adventiste du septième jour. Elle a été attirée par l'Église parce que ses fidèles observent le sabbat et organisent des baptêmes le samedi, et parce que ses enseignements soulignent l'importance d'une bonne santé et de bonnes habitudes alimentaires.

L’artiste a filmé les services des adventistes du septième jour et des enregistrements de leur programme de prière télévisé. Elle a combiné ces images avec des scènes de tests neurologiques, une publicité alimentaire, une injection de Botox, du surf à haute vague, une endoscopie et des manifestations politiques.

Cet amalgame d'images met en évidence les liens entre les différentes stratégies humaines pour maintenir l'espoir dans les dimensions médicales, religieuses et politiques.

Le mot «mardi» (tuesday) trouve ses origines dans Tyr, le dieu nordique de la guerre et de la victoire.

Tuesday (2017) est une œuvre associant vidéo et sculpture qui renvoie à la fois à la mythologie ancienne et au phénomène de la messagerie motivationnelle contemporaine, comme le montre le hashtag «#transformationtuesday», par exemple.

Le film Tuesday mêle des images de chevaux de course qui courent, respirent et se font coiffer, avec d'autres montrant des pratiquants de jiu jitsu au ralenti alors qu'ils s'entraînent sur des tapis avant un match.

Le mardi subvertit la compétition et la remplace par une contemplation passive et une suspension exagérée du mouvement et de l'action.

En même temps que la vidéo, deux sculptures représentent le corps sous une forme enchevêtrée.

Ces deux sculptures brouillent les frontières entre les actes de reddition et de contrôle.

2012. 25 min. Vidéo à canal unique. Tiré de The Speeches Series (3 films numériques, 2012-2013).Commandés pour La Triennale, Palais de Tokyo, Paris, 2012. Commissaire d’exposition : Okwui Enwezor.

Avec l’autorisation de l’artiste et de la galerie Mor Charpentier, Paris

 Film numérique. 2018. 43 min.

Commandé pour Ruhr Triennale, 2018. Produit avec l’aide du Radcliffe Institute for Advanced Study et du Harvard Film Study Center, Sécession viennoise.

Avec l’autorisation de l’artiste et de la galerie Mor Charpentier, Paris

 Film numérique. 2018. 43 min.

Commandé pour Ruhr Triennale, 2018. Produit avec l’aide du Radcliffe Institute for Advanced Study et du Harvard Film Study Center, Sécession viennoise.

Avec l’autorisation de l’artiste et de la galerie Mor Charpentier, Paris

 Film numérique. 2018. 43 min.

Commandé pour Ruhr Triennale, 2018. Produit avec l’aide du Radcliffe Institute for Advanced Study et du Harvard Film Study Center, Sécession viennoise.

Avec l’autorisation de l’artiste et de la galerie Mor Charpentier, Paris

Lieu où se trouve la maison de Kateb Yacine. Fig. 1 : Théâtre de verdure Tiré de Foreign Office, installation mixte. 2015. Épreuve chromogénique. 100 x 120 cm.

Avec l’autorisation de l’artiste et de la galerie Mor Charpentier, Paris

Résidence de la délégation du Black Panther Party (Panthères noires) lors du Festival panafricain d’Alger de 1969. Fig. 1 : entrée de l’ancien casino. Tiré de Foreign Office, installation mixte. 2015. Épreuve chromogénique. 100 x 120 cm.

Avec l’autorisation de l’artiste et de la galerie Mor Charpentier, Paris

Tiré de Foreign Office, installation mixte. 2015. Épreuve chromogénique. 80 x 100 cm.

Avec l’autorisation de l’artiste et de la galerie Mor Charpentier, Paris

Film numérique. 2015. 22 min. Tiré de Foreign Office, projet multimédia, film, photographie, sérigraphie. Commandé pour Sam Art Prize, 2013-2014

Avec l’autorisation de l’artiste et de la galerie Mor Charpentier, Paris

Film 16 mm. B&W. Muet. 2019. 3 min 30.

Avec l’autorisation de l’artiste et de la galerie Mor Charpentier, Paris

Née en 1974, Latifa Echakhch pratique la peinture, la sculpture, la vidéo et l’installation. Elle puise son inspiration dans ses souvenirs, les événements politiques qui l’ont marquée, la littérature, la musique et la poésie. Si les paysages romantiques de son enfance ont eu un profond impact sur son esthétique et sa sensibilité, son vocabulaire formel est influencé par le minimalisme et l’histoire de l’art des années 1960-1970.

Après avoir vécu, pendant plusieurs années à Paris, Latifa Echakhch vit et travaille aujourd’hui à Martigny, dans les Alpes suisses. Récompensée du prestigieux prix d’art contemporain Marcel Duchamp, en 2013, et du Zurich Art Prize en 2015, l’artiste a, aujourd’hui, acquis une reconnaissance internationale. Elle est représentée par les galeries Kamel Mennour (Paris/Londres), Kaufmann Repetto (Milan/New York), Dvir (Tel Aviv/Bruxelles) et Metro Pictures (New-York).

Le titre de l’exposition fait à la fois référence au coucher de soleil et au set artistique ou théâtral – l’installation d’une scène, l’assemblage de décors et d’objets définissant une scène d’action. Latifa Echakhch a souvent utilisé le potentiel d’activation du décor. Les grands rideaux peints présentent des paysages au coucher de soleil, chacun étant lié à une histoire personnelle vécue par l’artiste.

Latifa Echakhch recouvre ici les cimaises de feuilles de carbone bleu. L’artiste combine une référence au bleu Klein et au bleu outremer des paysages romantiques avec le bleu carbone des tracts politiques. Le titre fait référence aux mots prononcés par Yasser Arafat à la fin des années 1960 pour décrire l’enchaînement des revendications politiques et sociales au niveau mondial.

La surface de cette peinture murale représentant une foule de manifestants portant des banderoles est gravement écaillée – comme si les bâtiments eux-mêmes s’effondraient. Dans le contexte d’uneépoque marquée par mes turbulences politiques, économiques et environnementales, l’œuvre suggère la perte des illusions, l'insécurité et l'instabilité, ainsi que l’effondrement de visions communes à l’humanité toute entière.

Cette installation, composée de chapeaux melon noirs posés sur leur calotte et remplis d’encre noire, renvoient à Magritte, à Chaplin ou encore à la série télévisée Chapeau melon et bottes de cuir. L’œuvre symbolise plus largement la figure du poète, du créateur, dont les encres s’apprêtent à se déverser sur le sol pour y faire jaillir formes et paroles.

Une des figures-clés qui organise, à la fois implicitement et explicitement, la démarche de Latifa Echakhch est celle du fantôme. Dans nombre de ses œuvres, l’artiste brille en effet par son absence. Elle présente toujours les vestiges d’une action qui a eu lieu, qu’elle a provoquée et exécutée elle-même, mais ne se met jamais en scène. L’artiste occulte systématiquement la présence des corps, au profit des traces que ceux-ci ont laissées.

Une petite théière est prête à accueillir l’eau de pluie d’une gouttière qui court le long de la toiture du BPS22. Latifa Echakhch reproduit ici le geste de son oncle Saïd qui l’a toujours fasciné. En raison de l’accès limité à l’approvisionnement en eau, à Khouribga, au Maroc, celui-ci avait l’habitude de poser une théière sous la gouttière de sa maison pour la remplir d’eau et ensuite préparer son « thé spécial ».

Au sol, Latifa Echakhch place des habits de fanfare et des instruments de musique, ou encore des tenues de gogo danseur. Ces costumes évoquent l’absence du corps, notion qui joue un rôle majeur dans l’œuvre de l’artiste. Arrachés à leurs contextes respectifs, ces objets sont dépossédés de leur contenu anecdotique et de leur rigidité formelle pour ne conserver que l’intensité du propos allégorique.

Inadelso Cossa vit et travaille au Mozambique en tant que réalisateur, producteur et directeur de la photographie depuis 2006. Son nouveau documentaire The Nights Still Smell of Gunpowder, en cours de développement, a déjà reçu le soutien d’acteurs majeurs.

Synopsis : Préoccupé par les souvenirs fragmentés de mon enfance durant la guerre civile du Mozambique, le réalisateur retourne dans le village de sa grand-mère pour révéler les histoires jamais ébruitées qui hantent encore sa génération.

Coura + Oulèye est le premier long métrage d’Iman Djionne, réalisatrice sénégalaise qui a participé à la résidence d’écriture Realness en 2019 et Berlinale Talents en 2020.

Synopsis : Issues d’une famille polygame, deux jeunes sœurs se découvrent après la mort de leur père lors d’un périple à travers le Sénégal.

Réalisateur brésilien, Francisco Bahia réalise des courts et moyens métrages qui abordent des questions de territoire et d'identité. Babylone est son premier long métrage en tant que réalisateur.

Synopsis : Un immigré haïtien doit enquêter sur la mort d'un vieil ami, et la seule façon de le faire sera d'affronter les forces vaudou, une pratique de laquelle il s'était éloigné par peur.

Réalisatrice, scénariste, productrice et assistante de réalisation vénézuélienne, Valeria Valentina Bolivar a participé à CineQuaNonLab en 2019 et à Berlinale Talents pour son premier long métrage, Sans nom.

Synopsis : Marcela est schizophrène ; elle rencontre Joaquín qui vient d'émigrer du Venezuela où il a laissé son fils. Ils tombent amoureux. Marcela essaie de surmonter sa maladie pour récupérer son fils et fonder une famille.

Réalisatrice kazakhe, Olga Korotko a travaillé avec le réalisateur d’art et essai D. Omirbayev, notamment sur des projets de recherche filmiques en histoire du cinéma. En 2016, elle a été sélectionnée à Berlinale Talents. Son premier long métrage, Bad Bad Winter a été présenté en avant-première à l'ACID en 2018.

A Pair of Leather Clogs est un drame familial et politique sur fond de comédie, situé à Almaty, au Kazakhstan.

Réalisateur thaïlandais, Sompot Chidgasornpongse a travaillé avec Apichatpong Weerasethakul en tant qu’assistant réalisateur sur de nombreux films. Son documentaire Railway Sleepers a été présenté à la Berlinale. 9 Temples to Heaven est son 2e long métrage.

Synopsis : Une famille de neuf personnes accompagne leur grand-mère dans un voyage de mérite dans neuf temples différents, sur une seule journée, dans l’espoir de prolonger sa vie. Mais leur voyage prend une tournure inattendue.

Ash Mayfair est née au Vietnam et a étudié à la NYU Tisch School of the Arts. Son premier long métrage, The Third Wife (2018), a été présenté en avant-première au Festival international du film de Toronto et a remporté le prix du jury NETPAC.

Skin of Youth est une étude sur les conséquences de la remise en question de l'identité, de la féminité et de la famille dans les années 1990 au Vietnam, du point de vue de jeunes qui ne correspondent pas aux normes socialement acceptées.

Née au Monténégro, Sara Stijović est actuellement en dernière année d'école de cinéma à la FDA Cetinje, en spécialisation film documentaire. Aujourd'hui, son premier long métrage, Gina, est en phase de développement.

Synopsis : Gina est l’histoire de Gina Markuš – une jeune Monténégrine emprisonnée dans les années 1950 en Yougoslavie et envoyée sur la Naked Island (Goli Otok) pour purger sa peine. Quelques années avant de se suicider, elle a tout mis sur le papier...

Khaled Mansour a réalisé quatre courts métrages qui ont tous été sélectionnés dans des festivals nationaux et internationaux. L’échappée belle de Mr Rambo est le premier long métrage du réalisateur égyptien.

Synopsis : Un homme peut rester égaré pendant longtemps. Mais une fois qu'il a trouvé son destin, il est capable de le suivre au prix de sa vie. 

Né en 1985, Keywan Karimi est un cinéaste iranien d'origine kurde. En raison des thèmes de ses courts métrages, il a été condamné à plusieurs peines de prison. Assigné à résidence, il n’a pu assister à la première de son premier long métrage, Drum, au Festival du film de Venise en 2016.

Do you know anything about Omid? raconte les années 1980 en Iran, des années sombres juste après la Révolution, au cours desquelles de nombreux prisonniers politiques ont été exécutés et assassinés dans les prisons de la République islamique.

« Mon projet propose, de manière métaphorique, une immersion dans le ventre d’un animal tentaculaire un peu inconnu pour trouver qui nous sommes. Je souhaite que chaque spectateur se sente devenir un tentacule de ce projet. »

L’œuvre filmique de Laure Prouvost pour le Pavillon français prend tantôt la forme d’un voyage initiatique, tantôt celle d’une joyeuse épopée tournée lors d’un roadtrip à travers la France, de la banlieue parisienne au nord de la France, du Palais du Facteur Cheval à la Mer Méditerranée, et jusqu’à Venise.

« Le film est l’élément central à partir duquel l’œuvre est structurée. C’est en quelque sorte la tête de ma pieuvre, c’est-à-dire que l’œuvre va vivre grâce au film mais pas uniquement. »

« Mon installation est un lieu de vie qui se décline dans les profondeurs de notre subconscient. »

« J’aime questionner ce que nous présentons et représentons, qui nous sommes et où nous en sommes, aussi bien personnellement qu’à l’échelle de l’humanité. Il y a aussi l’idée de se fondre et de se mélanger dans des visions plus ou moins fortes qui relèvent plus de la sensation. »

« Les expressions idiomatiques une fois traduites deviennent des images très fortes, comme I will tell you loads of salads ! Peut-être fût-il un temps où l’on se racontait des salades dans les champs ? Cela m’intéresse de connaître toutes ces expressions et de les déconnecter de leur contexte. »

Utilisant à la fois la vidéo, le dessin, la tapisserie, le verre, la céramique, la photographie, la performance et, par-dessus tout, le langage, Laure Prouvost crée des installations immersives qui plongent le spectateur dans un état d’introspection personnelle et collective.

« J’ai l’idée de la pieuvre comme métaphore des origines de notre planète et, en tant qu’être humain, du développement de notre système nerveux. Ses tentacules sont primordiaux, car ils en sont l’extension sensorielle. »

« Un voyage vers notre inconscient. À l’aide de nos cerveaux logés dans nos tentacules, nous creusons des tunnels vers le passé et l’avenir. Suivons la lumière. »

« Ma grand-mère à Roubaix m'a forcé la main pour amener une tapisserie qu'elle a faite à Venise ! »