Inspirée des serres botaniques du 19ème siècle, l’installation NFT pH<7 logique (2019) se déploie dans le hall de la Villa Merkel.

Cet écosystème plurisensoriel hyperconnecté combine plantes et outils technologiques (bande sonore, sources lumineuses, machine à brouillard …).

L’ensemble est piloté par un algorithme qui en compose le « climat » en temps réel en déclenchant de façon aléatoire ses composants à partir de données climatiques collectées sur Twitter.

Les salles périphériques accueillent de nouvelles oeuvres, venant poursuivre le récit initié par l’installation principale.

D’étranges formes molles et phosphorescentes ont transformées la matière de rebus industriels.

Le film Drop out (2020), tourné en Nouvelle-Zélande, nous emmène dans des mondes kaléidoscopiques où règnent des états de crise et de mystère permanent.

Un aquarium mou ayant coulé sur un écran vidéo accueille une plante dont les visions défilent sur l’écran dans une suite de formes abstraites, supposant d’autre intelligences, non-humaines, mais botaniques.

Une série d’artéfacts lumineux semblent communiquer entre eux par signaux lumineux à travers les espaces baignés d’une lumière bleue aux effets ultraviolets.

De longs vers phosphorescents gisent ça et là sur des objets ayant mués.

Suspendue au plafond, une dernière machine, Quantum (2020), semble piloter par des plantes qui en contrôlent la respiration lumineuse et les inquiétantes modulations sonores.

Pour ce dernier workshop en Thaïlande, les designers ont travaillé autour de l’indigo. Ester Manas et Wisharawhish Akarasantisook ont choisi un textile de soie fabriqué dans la province de Surin et joué de son aspect Blue jean pour revisiter les vêtements de travail. Ils sont unisexe et adaptables à toutes les tailles.

Sandrine Rozier est l’un.e des designers reconnu.e.s en France pour sa connaissance de l’indigo et sa grande maîtrise des bains qui en révèlent toutes les nuances. Avec Namfon Laïstrooglai elle ont également joué autour de la matière qui, découpée puis ré-assemblée, donne à ce sac une idée de légèreté et de douceur

Dans le cadre de ce workshop à Chiang Mai, il était surtout question de faire des tests, des alliances, de questionner les matières et de détourner les artisans, avec lesquels les designers ont travaillé, de leurs réflexes. Lorsque Violette Vigneron s’est associée avec Coth Studio ils ont expérimenté de nouvelles possibilités avec le bronze. La légèreté et la grâce de ces chandeliers en est l’étonnant résultat.

Le tandem s’est immiscé dans la vie de cette communauté qui réunit plus de 30 familles d’artisans et qui produit du bois tourné depuis plus de 100 ans. Marier le bois et l’indigo était une première. Le résultat est à chaque fois unique, l’indigo se fixant au bois de manière différente en fonction de son épaisseur, sa couleur d’origine, son âge …

Tous les designers associés à ce premier workshop organisé à Bangkok ont eu l’idée de travailler sur des matières qui évoquaient la rue, si chatoyante et animée, de Bangkok. Thai-Tie et Love seat sont fabriquée avec du rattan, un matériau très utilisé en Thaïlande. Les motifs rappellent les ornements traditionnels locaux. Christian Ghion a choisi un design simple afin que ces deux créations puissent être reproduites aisément par Yothaka.

A Chiang Mai, les designers thaïlandais et français ont travaillé côte à côte sur des créations personnelles. Teerapoj Teeropaas qui a travaillé, entre autres, avec Lauriane Beaunier et Alexandre Dubreuil chez Prempracha, évoque à travers cette série de vases la lenteur de la vie rurale. La texture ciselée rappelle le bambou, spécialité de l’autre fabrique qui a également accueilli ce groupe de designers lors de ce workshop.

Patcharada Inplang est architecte elle s’intéresse aux méthodes de fabrication artisanales et aux matières locales. Elle a saisi l’occasion de ce workshop pour travailler la céramique, qu’elle connaissait peu. En se concentrant sur la technique de moulage, qui est l’un des grands savoir-faire de Prempracha, Patcharada a voulu mettre en évidence les détails bruts des bords issus processus de moulage. C’est donc l’histoire de cette fabrique qu’elle met en avant ici dans ses pièces finales.

Créée en 2001, l’entreprise de meubles Kayu Manis s’est spécialisée en 2007 dans la production de meubles de salle de bain. En travaillant dans cette entreprise, Pascaline de Glo de Besses découvre autre modèle de production : le bois de teck est travaillé principalement à la main, les assemblages sont réalisés selon les règles de la menuiserie. L'atout majeur de cet échange pour l'entreprise a été d'analyser la tendance actuelle des meubles de salle de bain qui, en Europe, sont tout en légèreté. Les matériaux tels que le terrazzo sont également très appréciés. En travaillant le teck sous forme de lamelles, comme cela se fait dans la construction des ponts de bateaux, Pascaline a obtenu un rendu plus léger qu’en le travaillant dans sa masse.

Dans le cadre de ce workshop, l’entreprise Hanoia a accueilli Guillaume Delvigne, Pierre Charrié et Marie-Aurore Sticker-Metral. Ils ont pu découvrir le savoir-faire de la laque que la société de Hanoia maîtrise parfaitement. Ayant carte blanche sur la partie purement créative, ils initié le projet en amont de leur séjour ce qui a permis à l'équipe de Hanoia de réaliser une première série de prototypes bruts. Visites d'ateliers, réunions de travail, échanges avec les artisans et les techniciens, travail sur les plans, choix des couleurs, réflexion sur les effets des matériaux... Cet atelier a donné l’occasion aux 3 designers d'avoir une vue rapide sur toutes les étapes du processus de laquage.

Le processus de développement classique a été accéléré pour que chaque designer puisse obtenir des projets techniquement achevés dans le temps imparti. C'est un exploit, d'autant plus que le processus de mise en œuvre de la laque est particulièrement long, les prototypes ont donc été finalisés après la fin du séjour. Cet atelier, très intense, les a poussés à bousculer leurs habitudes de travail, à faire des choix rapidement et d'affiner rapidement leurs propositions. Chaque designer a proposé cinq projets, leur développement s'est fait de manière collégiale et partagée avec les équipes de Hanoia.

« C’est en 2016 que nous avons fait la rencontre - qui s'avérera déterminante -d'Ousmane Kà, alors que nous préparions notre exposition « Wilwildu ». Il réalise alors, avec son atelier à Dakar, les toiles de nos « transats Nord/Sud ». En février 2019, il nous accueille en apprentissage pour une semaine et nous projetons ensemble de nouvelles collaborations tissées, et notamment ce pagne tissé « Paquebot ». »

« Nous racontons à Ousmane l'histoire du Paquebot Ancerville, sorti des chantiers de Saint-Nazaire en 1961 pour assurer la liaison Marseille/Dakar. Il sera repeint et renommé Minghua après son rachat par la République populaire de Chine en 1973 pour servir ses projets de coopération en Tanzanie. »

« C'est par le tissage que nous avons entrepris de comprendre et partager ce maillage témoin de l'histoire de la mondialisation. Les questions d’interdépendance, de circulation des hommes, des formes et des techniques, des marchandises et matières premières, de l’inéquité de nos économies sont nos fils de recherche. »

« Avec pour seule langue commune le tissage, Sébastiao Yé, assistant d'Ousmane Kà, nous enseigne le nœud de tisserand et l'enfilage du peigne en guidant patiemment nos gestes. »

Nous programmons le motif paquebot selon la méthode Mandjaque apprise auprès d'Ousmane Kà. L'anamorphose créée par les baguettes préparatoires nous rappelle un dessin repéré dans une revue militante anti-coloniale des années 1970.

Cette technique artisanale savante est commune à d'autres cultures tisserandes comme celles de la Chine ou des soyeux lyonnais, et elle a préparé l'avènement des mécanismes Jacquard. En Afrique de l’Ouest, c’est une spécificité des tisserands du Cap-Vert et de la Guinée-Bissau.

« Le paquebot Ancerville apparaît pour la première fois sur notre tissage à Nantes. Nous envoyons une photo à Ousmane Kà via WhatsApp. »

« Le paquebot Ancerville apparaît pour la première fois sur le métier à tisser d'Ousmane Kà à Dakar. Il en fait pour nous une image avant quelques retouches du motif et sa mise en série. »

« Ce nouveau motif issu de notre collaboration avec Ousmane Kà représente le maître tisserand dans la transmission de son savoir. Il se combine avec un motif Mandjaque reconnu qui, nous a-t-on dit, permet de se protéger du vol et de l'usurpation. Nous inscrivons nos trois noms dans l'étoffe pour commémorer ce moment, comme cela se fait souvent sur les pagnes traditionnels ».

« Avec la crise sanitaire du Coronavirus Covid-19, naît l’idée d'un motif Corona car les motifs de pagnes Mandjaques opèrent pour ceux qui les portent sur un mode conjuratoire. La collaboration se poursuit. Le motif est dessiné par Patrick Bernier pour l'atelier tisserand de Tësss, à Saint-Louis-du-Sénégal, dirigé par Maï Diop. Le tissage est réalisé par Assane Diop et son assistant Antoine Mendy, en avril 2020. »

Aganta Kairos fait partie de l’œuvre générique Middle of Nowhere de Laurent Mulot, une œuvre au long cours implantée sur les six continents. Pour tous ses travaux il collabore avec les habitants qu’il rencontre sur les territoires où il se rend. Pour Aganta Kairos, une célébration, marquée par une plaque, inaugure le lieu de l’œuvre et intronise deux témoins de l’invisible, conservateurs de l’œuvre et du geste poétique.

Francisco Heriniaina et « Mr President » chef du village de 200 habitants d’Efoetsy (« le nombril »), de l’ethnie des Mahafaly, éleveurs de zébus.

Les Mahafaly entretiennent une relation étroite avec les constellations, l’océan, les défunts et les nouveaux nés.

Julius Nielson, chasseur-pêcheur et guide, et Gerd Ignatuussen, chaman inuit sont les témoins d’Aganta Kairos devant le glacier du Sermilik Fjord. Ici, dans l’Océan Arctique, c’est la déesse Sedna, qui régit la vie sous-marine.

Pauline Harris, astrophysicienne et Pere Tanui, tous deux Maoris et membres de la communauté d’Onuku, qui célèbre la mer, la terre et ceux qui regarde le ciel ont accueilli Laurent Mulot dans leur clan après l’avoir initié et sont devenus les témoins d’Aganta Kairos.

Yves Leber est le petit-fils de l’ancien propriétaire de l’île de Porquerolles, terre la plus proche du détecteur sous-marin de neutrinos ANTARES. Thierry Stolarczyk est astrophysicien à l’Institut de recherche fondamentale sur les lois de l’univers (CEA Saclay), guide et conseil scientifique d’Aganta Kairos. Ce sont les témoins d’Aganta Kairos pour l’Océan Atlantique.

Les deux témoins pour l’Océan Antarctique : Stanislas Devorsine et Benoît Hébert, alors tous deux capitaines de l’Astrolabe. Benoît Hébert a également participé à l’édification du 6ecentre d’art contemporain fantôme en Antarctique.

Zhan-Ayrs Dzhilkibaev, responsable scientifique du Baïkal Neutrino Telescop et Vitaly Schur, ingénieur et seul habitant permanent de la station scientifique, inaugurent la 6e plaque d’Aganta Kairos dans le « jardin » du 2e qui surplombe le lac Baïkal. Pour Vitaly, le lac Baïkal est une personne.

Le lac Baïkal est considéré comme un océan en formation. Pour détecter le passage du neutrinos, les physiciens plongent des sphères optiques en profondeur pendant la période où le lac est gelé. Après la débâcle, il ne reste rien de visible de l'expérience immergée – devenue fantôme elle aussi.

Valentin, chaman de l’île d’Olkhon, considérée comme le berceau du chamanisme mondial, dialogue avec le lac Baïkal, sa faune et sa flore comme autant d’êtres vivants. Au côté de son chauffeur de « jicouly », cette lada soviétique emblématique, il célèbre Aganta Kairos dans une incantation au cosmos.

La science, le chamanisme et la mythologie ne procèdent pas des mêmes démarches, elles n’apportent pas les mêmes réponses aux interrogations relatives à nos origines et à celles de l’univers qui nous contient, mais les questions sont quelquefois concomitantes. Tawhirimatea, dieu maori inconsolable de la séparation originelle entre ciel et terre, célèbre le lien indissociable entre ces deux entités ; Aganta Kairos célèbre ceux qui regardent la terre, le ciel et la mer…

Né en 1977 à Madagascar, Joël Andrianomearisoa vit et travaille entre Antananarivo et Paris. Il puise son inspiration dans l’espace, le temps, à Madagascar et dans le monde. De ses voyages émotionnels, il rapporte des étoffes, qu’il découpe, noue, déchire, superpose, tisse, et dont il assemble les fragments en un jeu de matières et d’histoires.

Décédé en 2011, Josep Grau-Garriga, né en 1929 à Sant Cugat del Vallès, près de Barcelone, a été le grand maître de la tapisserie espagnole dans les années 1970. 

Petit-fils d’un coiffeur anarchiste, élevé dans une famille de paysans républicains, il assiste avec effroi, adolescent, au triomphe du franquisme dans les années 1930. Son œuvre s’en trouve durablement marquée.

Née en France en 1978, Laure Prouvost a étudié à Londres à la Central Saint Martins puis au Goldsmiths College. Lauréate du prestigieux Turner Prize en 2013, elle vit et travaille désormais entre Londres, Anvers et une caravane dans le désert croate. Elle a représenté la France à la 58e Biennale internationale d’art contemporain de Venise, en 2019.

La force du travail de Laure Prouvost est d'explorer des questions universelles et d'actualités, et de les exprimer sous des formes artistiques inédites, dans des vidéos fictionnelles et des installations immersives sensuelles. 

La pratique de Lily Hibberd tourne autour de la question du temps, de la mémoire et du désir, le tout dans une approche contemporaine. Artiste conceptuelle et écrivain, Lily Hibberd est Australienne et vit à Paris. 

Lily Hibberd a pris en photo ici, en 2019, une photo dela salle de transit de l’observatoire de Sydney, issue desrésultats astronomiques d'Henry Chamberlain Russell (1879-1881).

Lily Hibberd a ici réalisé un collage numérique à partir de deux photographies anciennes de l’observatoire de Sydney. Prise par Waterford le 6 février 1941, la photographie de gauche montre Mary Allen et Ethel Wilcocks mesurant des plaques astrographiques. Celle de droite, H. A. Lenehan au cercle de transit, en 1907-1908 (anonyme).

Artiste franco-algérien né en 1978, Mohamed Bourouissa s’est attaché à créer des conditions d’échange et de partage avec les communautés locales. Il est fasciné par les utopies urbaines, l’histoire de la représentation et synthétise des questionnements récurrents : l’appropriation des territoires, le pouvoir, la transgression. 

Né en 1992 à Châtellerault, Tarek Lakhrissi est à la fois poète, artiste visuel et performeur. Il développe une pratique artistique multiforme allant du film à la poésie, en passant par l’image, le workshop ou la performance. 

Jonglant entre le français, l’arabe et l’anglais - grâce auquel il accède à la culture queerétats-unienne –, l’œuvre de Tarek Lakhrissi s’oriente autour de deux principaux fils conducteurs : le langage et la fiction.

« À Mumbai, nous avons réalisé une œuvre éphémère avec de la poudre colorée, à base de sable teinté et de sel, appelée Rangoli. »

« Sur le toit de ce parking peu fréquenté, par 35°C, nous avons peint, d’un bleu qui rappelle la couleur des "azulejos" des rues de Goa, des sacs plastiques, des bouteilles à la mer et autres déchets flottants sur le maillot de bain d'une grande dame endormie ».

« Après une journée de Rangoli, nous sommes couverts de pigments et, comme nous avons utilisé du noir en dernier, nous ressemblons à des mineurs. Les Indiens aiment fêter les couleurs et se jettent des poudres teintées pour finir couverts de pigments. »

« Le dessin de poudre que nous avons réalisé à Dharavi n’était pas en soi une curiosité pour les gens du quartier, si ce n’est qu’il était largement plus grand que ceux faits lors de la fête des Rangoli. D'après les policiers du commissariat voisin, c’était même le plus grand d'Inde ! »

« Madame s'est endormie sur le toit d'un parking, entre le fleuve parsemé de casinos flottants et la future autoroute qui permettra de rejoindre l'aéroport en quelques dizaines de minutes. Elle se réveillera quand les voitures s'arrêteront et que le sable aura repris sa place. En attendant, elle rêve. »

« Le bonnet de bain de cette dame endormie est inspiré des modèles des années 1970, quand Goa était le paradis des hippies et de l'insouciance écologique face aux matériaux nouveaux, comme le plastique. Sa boucle d'oreille n'est pas sans rappeler le bindi rouge que les Indiennes se peignent sur le front. »

« Nous avons parcouru la ville et ses voies ferrées à bord de trains bondés, portes ouvertes et cheveux au vent, avec notre ami Alkemy, graffeur local, jusqu'à trouver le spot idéal pour réaliser un graffiti. Nous aimons l’énergie du mouvement du graffiti, incontrôlable et libre. Nous ne pouvions pas ne pas réaliser un lettrage à Mumbai ! »

« Cette photo aérienne a été prise quelques minutes avant que les enfants du quartier viennent jouer et commencent à effacer le dessin de poudre. Le Rieur se laissera finalement chatouiller pendant trois jours avant de disparaître presque totalement, sous le coup des ballons de foot, des vélos, des motos et des passants. Tristes de le voir disparaitre, les habitants du quartier nous ont invité à le refaire à la peinture lors de notre prochaine visite. »

« Nous aimons jouer avec l'effacement de nos œuvres. Nous avions fait exploser des murs peints dans des carrières pour Blast, filmé le gommage d'un géant endormi par les nettoyeuses de Saint-Étienne, observé la lente disparition d'un dessin fait sur la pelouse de l'aérodrome de Montargis, regardé la mer emporter un couple d'amoureux dessinés avec des algues sur une plage du Chili… »

« Ils sont là, ils rient, ils fouillent, ils crient, ils jouent. Ce dessin est un hommage, dans le slum de Goa, à tous ces enfants que nous avons rencontrés entre Mumbai et Goa. Ils étaient toujours là lorsque nous peignions, curieux de savoir ce que nous allions faire et toujours encourageants. »

En février 2019, Son Ar Mein s’est rendu au Bangalesh pour une résidence de création et une série de trois concerts à Dhaka et Chittagong, avec le Chœur de l'Asian University for Women, la première université exclusivement féminine d’Asie du Sud. Tous ensemble cherchent, à travers les musiques baroques et de la Renaissance françaises et autres chefs d’œuvres européens, à promouvoir l’éducation et l’émancipation des jeunes femmes d’Asie et du Moyen-Orient.

Symbole du cirque traditionnel, la roue de la mort est réputée pour l’effroi et l’admiration qu’elle provoque auprès du public. Partant de ces émotions, Galapiat Cirque a souhaité inverser la tendance avec leur « petite » roue de la mort, et ouvrir bien plus de possibles. Ils font ainsi de cet agrès nouveau partenaire de jeu, au sol comme dans l’eau. La résidence de création de ce projet se déroule pour partie en Finlande, en 2019 et en 2020.

Les associations Sitala œuvrent depuis 15 ans à une coopération artistique innovante entre la France et le Burkina Faso. En janvier 2019, Sitala Kounou, composé de musiciens français et burkinabè, a réalisé une résidence de création ainsi qu’un temps d'échanges et de formation sur les métiers de techniciens son et lumière. 

Cette sculpture sonore voyageuse se nourrit de l’intérêt qui lui est porté et des histoires qu’on lui raconte : les visiteurs écoutent les histoires déposées ceux qui les ont précédés, et devront à leur tour laisser un message dans la seule structure possédant un micro et représentée par une oreille. L’œuvre a été présentée à The Terminal Kyoto en octobre 2019 dans le cadre de la Nuit Blanche.

La technique qu’a développée Emile Pédron durant sa résidence à la Villa Kujoyama en 2016 consiste à récolter des argiles sauvages permettant d’apporter une grande richesse dans les couleurs, les textures, les matières… Une technique qu’il a appris à compléter à Kyoto en novembre 2019 en se formant à la technique traditionnelle de la réparation à la laque (urushi) pour effectuer des retouches.

En mars 2019, Jean-Luc Thomas s’est rendu au Brésil pour enregistrer « Oficina Itinerante », basé sur son spectacle multimédia « Oficina ». Conçu comme un carnet de voyage, l’album, qui sortira le 28 février 2020, rend hommage aux lieux et aux personnes que l’artiste a rencontrées au cours de ces 20 dernières années.

Cette pièce de Xavier Maurel mêle texte et danse à l’univers sonore du groupe Ez3kiel. Conçue pour être jouée dans la forêt, Écho ou la parole est un miroir muet fait l’objet d’une re-création in situ avec un nouveau chœur de danseurs non professionnels sur chaque territoire où elle est présentée, notamment à Brazzaville et Kinshasa en décembre 2019.

Walk Man in Seoul est la version coréenne d’un concept de parcours sonore développé en France par le Théâtre de l’Arpenteur. Une création conçue par Hervé Lelardoux assisté de Ji-In Gook, qui plonge le spectateur en immersion dans la ville de Séoul et la mémoire des Séoulites. Cette création a pu être présentée en octobre 2019 dans le cadre du Séoul Street Art Festival.

À l’issue d’une résidence en Australie à l’été 2019, Samir Mougas réalise un ensemble de huit sculptures murales en grès émaillé qui associent, dans une dimension animiste, moulages d'enjoliveurs et de saucisses. La résidence lui a permis de développer plusieurs recettes d'émaux pour travailler la texture luisante de ces objets.

Née en 1986, diplômée des Beaux-Arts de l’Université de Lisbonne (2011), Sara Bichão vit et travaille à Lisbonne.

Née en 1988 à Reims, diplômée de l’ENSAAMA Olivier de Serres (2009), Manon Harrois vit et travaille à Troyes.

Tout a commencé par l’invitation faite en 2014 aux deux artistes par Boshko Boskovic, conservateur et directeur de Residency Unlimited (New York), de faire, à la Galerie Rita Urso de Milan, une performance intitulée Soundless Harmonies. Depuis lors, les deux artistes collaborent régulièrement.

Sara Bichão et Manon Harrois ont travaillé ensemble en résidence, dans le Parc naturel des volcans d’Auvergne, puis au sein de deux îles volcaniques portugaises, d’abord dans les Açores puis à Madera.

« Un pyjama pour deux » est le 2e volet du projet « Quand nous sommes deux, nous sommes trois », qui porte sur le langage, la traduction et la propriété. Avec une idée directrice pour les deux artistes : quand deux êtres, deux individus ou deux parties communiquent, c’est une troisième forme de langage qui émerge (« 2 = 3 »).

Les deux artistes partagent un même élan pour des installations où sculptures, dessins, peintures et performances s’hybrident librement.

Le travail de Sara Bichão est fortement connecté aux pratiques ancestrales de la construction et des travaux manuels. À travers le dessin, la peinture, la couture, l’artiste réalise des œuvres à la mesure de son corps.

« Un pyjama pour deux », une exposition de Sara Bichão, en collaboration avec Manon Harrois, au CAC Passages, Troyes, du vendredi 04 octobre au vendredi 13 décembre 2019.

L’exposition bénéficie du prêt d’objets d’époque romaine issus de la collection du Musée des beaux-arts et d’archéologie de Troyes.

« Un pyjama pour deux », une exposition de Sara Bichão, en collaboration avec Manon Harrois, au CAC Passages, Troyes, du vendredi 04 octobre au vendredi 13 décembre 2019.