Cinéaste et journaliste, Clare Weiskopf a passé plus de quinze ans à travailler sur diverses questions sociales. Elle a été deux fois lauréate du prix national du journalisme colombien. Les films de Nicolas van Hemelryck ont concouru à l'IDFA, au Cinéma du Réel, Dok Leipzig, Sheffield, DocNYC et ont été primés à Turin, Bogoshorts et Docudays-UA. Le documentaire Alis est leur second long-métrage.

Synopsis : Des adolescentes qui ont vécu dans les rues de Bogota rêvent d’une camarade de classe fictive. Ce récit émouvant révèle leur persévérance pour briser le cycle de la violence et embrasser l'avenir.

Alis, réalisé et produit par Clare Weiskopf et Nicolas van Hemelryck (Casatarantula)

Documentaire

Second long-métrage

Originaire de Mindanao, Xeph Suarez vit à Manille. Il a réalisé plusieurs courts-métrages, dont Si Astri maka si Tambulah, qui a remporté le prix du meilleur réalisateur et reçu une mention spéciale du jury à Cinemalaya 2018. Dancing the tides est son premier long-métrage de fiction. Il est accompagné du producteur Alemberg Ang (Daluyong Studios).

Synopsis : Une transsexuelle musulmane issue d'une communauté conservatrice « de nomades de la mer » est déchirée entre une vie heureuse avec son petit ami et le respect des coutumes de sa communauté, qui implique un mariage avec la femme à qui elle a été fiancée à la naissance. 

Dancing the tides, réalisé par Xeph Suarez

Fiction

Premier long-métrage

Produit par Alemberg Ang (Daluyong Studios)

Cecilia Kang a étudié la réalisation à l'E.N.E.R.C. Elle a réalisé plusieurs courts-métrages qui ont participé à de nombreux festivals internationaux, tels que Videojuegos à la Berlinale 2015, compétition officielle "Génération" et Mi último fracaso, son premier film documentaire (Première BAFICI 2016, en compétition). Elder son est son premier long-métrage de fiction. Elle est accompagnée par le producteur Juan Pablo Miller (Tarea Fina). 

Synopsis : Le film dessine une cartographie émotionnelle basée sur le parcours migratoire d’une famille, de la Corée du Sud d’après-guerre, vers l’Argentine. Ses membres brisent les traditions en s’opposant à ce que l’on attend d’eux. Ils tracent des chemins inexplorés au prix d’actes de liberté douloureux. 

Elder son, réalisé par Cecilia Kang

Fiction

Premier long-métrage

Produit par Juan Pablo Miller (Tarea Fina)

Cinéaste et artiste visuel né à Cuba, Damian Sainz Edwards a réalisé plusieurs courts-métrages, sélectionnés et récompensés dans de prestigieux festivals à travers le monde. Son dernier court métrage, The fugitives, esquisse les personnages de son premier long-métrage Fallen. Il est accompagné de la productrice Viana González (Autonauta Films).

Synopsis : Un vieil homme machiste revient dans sa ville natale à la mort de sa fille. Là-bas, il devra choisir entre faire partie d'une famille qu'il a longtemps abandonnée à cause de ses préjugés ou continuer à vivre sa vie solitaire. 

Fallen, réalisé par Damian Sainz Edwards

Fiction

Premier long-métrage

Produit par Viana González (Autonauta Films)

Le court-métrage de Matthys Boshoff, Flesh of my flesh, a été présenté en compétition à Clermont Ferrand et a été sélectionné dans plus de 30 festivals où il a remporté de nombreux prix. Le long-métrage est produit par Jozua Malherbe (Make Stuff Machine).

Synopsis : Suite à un accident de voiture qui a rendu sa femme tétraplégique, Magnus, un avocat en pleine ascension, ramène de l'hôpital Annelie, un esprit libre. Alors que l'amant devient l’aide-soignant et que les grands rêves disparaissent, la famille survivra-t-elle ? 

Flesh of my flesh, réalisé par Matthys Boshoff

Fiction

Second long-métrage

Produit par Jozua Malherbe (Make Stuff Machine)

Amédée Pacôme Nkoulou est un cinéaste Gabonais. Son premier court-métrage de fiction Moane Mory (2014) a été projeté dans de nombreux festivals à travers le monde, notamment en sélection officielle au FESPACO. Boxing Libreville, son premier film documentaire de création remporte le prix du meilleur film documentaire au festival du film africain de Tarifa et le prix du jury au FIDADOC au Maroc.

Le scénario de son premier long-métrage Les fresques des oubliés, a reçu le Prix Idrissa Ouedraogo du Ouaga Film Lab. Il est accompagné de la productrice Samantha Biffot (Princesse M production).

Synopsis : Situé dans un pays africain fictif, Les fresques des oubliés raconte l'histoire d’un jeune artiste de rue qui tente de se reconstruire après avoir enduré une peine de deux ans de prison.

Les fresques des oubliés, réalisé par Amédée Pacôme Nkoulou

Fiction

Premier long-métrage

Produit par Samantha Biffot (Princesse M production)

Scénariste et réalisatrice costaricienne née en 1993, Kim Torres a participé à Berlinale Talents Guadalajara et a réalisé les courts métrages Suncatcher (2021) et The champion (2015). Elle est scénariste de deux séries Netflix ainsi que de plusieurs longs-métrages. Elle travaille sur son premier long-métrage If we don't burn, how do we light up the night sélectionné au MAFF, où le projet a reçu un prix, et a participé au Torino Film Lab Next. Elle est accompagnée de la productrice Alejandra Vargas Carballo (Noche Negra Producciones).

Synopsis : Au milieu de la chaleur de l'été au Costa Rica, Laura, quatorze ans, doit déménager dans un village de montagne où se répand une rumeur selon laquelle une créature de la forêt aurait tué une femme. Alors que son amitié avec Daniela se développe en une relation particulière, dans un environnement qui sexualise leurs corps adolescents, elle trouve le courage de sauver son amie d'une relation abusive. 

If we don’t burn, how do we light up the night, réalisé par Kim Torres

Fiction

Premier long-métrage

Produit par Alejandra Vargas Carballo (Noche Negra Producciones)

Né et élevé à Kolkata, Suman Sen est un écrivain, réalisateur et producteur vivant à Mumbai, en Inde. Son premier long-métrage, Eka, a participé au Film Bazaar 2019 et au Torino Next 2020. Il est accompagné du producteur Arifur Rahman (Goopy Bagha Productions).

Synopsis : L'âme de d’Eka s'incarne dans le parcours solitaire d'un agent d'assurance d'âge moyen, frustré. Le film reflète l'époque dans laquelle je vis depuis quelques années : une époque de haine, d'intolérance et de violence. 

Eka (Solo), réalisé par Suman Sen

Fiction

Premier long-métrage

Produit par Arifur Rahman (Goopy Bagha Productions)

Sahra Mani est une réalisatrice multi-primée. Son premier long-métrage documentaire, A thousand girls like me (2019), a été projeté dans de nombreux festivals de cinéma. Ses travaux en tant que productrice et réalisatrice portent sur les droits de l'Homme, l'égalité et la justice. Mélodie de Kaboul est son second long-métrage.

Synopsis : Madina et Negin, deux adolescentes, étudient la musique dans la seule école de musique de Kaboul. Elles se frayent un chemin entre les critiques de leur famille et les menaces des talibans. À l'approche d'une nouvelle tournée européenne, les deux filles disparaissent soudainement. Un jour, je reçois un appel téléphonique ; Madina veut partager son histoire. 

Mélodie de Kaboul, réalisé et produit par Sahra Mani (Afghanistan Doc House)

Documentaire

Second long-métrage

Marouan Omara est un cinéaste basé au Caire. Ses films se situent sur un territoire non balisé entre fiction et documentaire. The Missing planet, est son second long-métrage. Il travaille en étroite collaboration avec Mark Lotfy (Fig Leaf Studios), producteur/réalisateur d’Alexandrie, en Egypte. 

Synopsis : The missing planet est un voyage à travers les paysages surréalistes et les souvenirs fragmentés d’un autre monde qui reflète le nôtre. 

The Missing planet, réalisé par Marouan Omara et Tom Rosenberg

Fiction

Second long-métrage

Produit par Mark Lotfy (Fig Leaf Studios) / Die Gesellschaft DGS - Michael Henrichs

« Le projet Les communautés à l’œuvre propose d’interroger la rencontre entre le savoir-faire de l’architecte et l’expérience des habitants de leur propre lieu de vie. »

« L’exposition présente un voyage de l’esprit en architecture à travers l’étude de cinq cas précis sur différents continents : en Europe, Asie, Amérique et Afrique. »

« Ces différentes démarches présentées ne suivent pas un schéma théorique formel conçu par un architecte mais témoignent des transformations lentes et multiples d’un lieu de vie par ses propres habitants. »

« Les communautés à l’œuvre s’approprient leurs environnements par leurs actions et créent alors un lieu du commun où se discute la gestion de leur cadre de vie. »

« Nous présentons des documentaires sur les communautés habitantes à l’œuvre dans la transformation de leurs environnements quotidiens, en France mais aussi à travers le monde : à Johannesburg, à Bordeaux, à Détroit, à Mérignac, à Hanoï... »

« Des situations analogues, par effet miroir, nous renseignent sur les phénomènes à l’œuvre, par leurs écarts aux normes et à la standardisation du monde. Comment vivent-elles ensemble et quel contrat spatial engagent-elles ? »

« L’enseignement tiré de ces différentes études de cas devrait nous éclairer d’un point de vue critique sur la façon dont nous vivrons ensemble. »

« La scénographie de l’exposition propose une expérience immersive, faite d’images en mouvement, dont la dimension immatérielle déborde le cadre de l’architecture néo-classique du pavillon français. »

« Les spectateurs, en immersion visuelle et sonore, visiteront les différentes études de cas présentes dans l’exposition. » 

« Cette exposition est un voyage de l’esprit en architecture : à Johannesburg, à Bordeaux, à Détroit, à Hanoï... Grâce à ce décentrement, il s’agit de convoquer le monde à soi, d’accueillir les informations et les connaissances qu’il porte en lui, d’en comprendre les mutations constantes. »

Une plage de Brest regardée comme une planète (Mars, la rouge), ou la gravure d'une ère disparue. Est-ce le fond de la mer lorsqu'elle se sera totalement évaporée ? Les couleurs étranges nous renvoient aux visions des peintres des débuts de l'ère spatiale où la couleur construisait l'étrange, l'extra-terrestre.

Posé comme un œuf sur le tarmac, ce cockpit d'avion après son démantèlement semble tout juste avoir atterri. Derrière lui le fracas des pièces détachées rompt avec sa paisible présence.

Réalisée dans l'entreprise Syctom, l'agence métropolitaine des déchets ménagers, cette photographie propose plusieurs sens de lecture. Barricades installées dans la rue pour barrer la route lors d’affrontements ? Sommet d'un volcan ? Fournaise, feu de l'enfer ?

L'océan comme origine de la vie apaise les feux qui la précède. Cette vague nous parle de surface, et de choses enfouies.

L'agriculture sur brûlis est un système agraire dans lequel les champs sont défrichés par le feu ce qui permet un transfert de fertilité. Au-delà de la technique en jeu, cette image nous montre également un champ de bataille encore fumant, laissant en suspens la nature des affrontements.

Cette forme de diamant posée et prête a décoller est une maison solaire passive, un concept d'architecture héliodynamique d'Eric Wasser. Proche du vaisseau spatial, elle fait écho à d'autres images de la série où l'habitat est pensé comme une boite pour s'isoler de l'extérieur.

Comme une représentation enfantine, cette image souhaite proposer une photographie impossible, celle de l'espace, de son immensité, sans limite.

Lieu de formation des pompiers, cette maison de métal peut nous évoquer un habitat pensé pour des lieux extrêmes ou extra-terrestres. Ce feu contrôlé est le revers du feu de l'agriculture sur brûlis.

Réalisée au Palais de la Découverte à Paris, cette image d'un artefact lumineux agrandi nous rappelle la forme de l'héliodome et évoque une trajectoire, un voyage dans la nuit de l'espace.

A première vue nous ne savons pas si cette forme simplifiée de l'homme s'enfonce dans le sol ou monte vers la lumière. Proches du trou de serrure, les proportions de la tête par rapport au corps sont étranges.

Inspirée des serres botaniques du 19ème siècle, l’installation NFT pH<7 logique (2019) se déploie dans le hall de la Villa Merkel.

Cet écosystème plurisensoriel hyperconnecté combine plantes et outils technologiques (bande sonore, sources lumineuses, machine à brouillard …).

L’ensemble est piloté par un algorithme qui en compose le « climat » en temps réel en déclenchant de façon aléatoire ses composants à partir de données climatiques collectées sur Twitter.

Les salles périphériques accueillent de nouvelles oeuvres, venant poursuivre le récit initié par l’installation principale.

D’étranges formes molles et phosphorescentes ont transformées la matière de rebus industriels.

Le film Drop out (2020), tourné en Nouvelle-Zélande, nous emmène dans des mondes kaléidoscopiques où règnent des états de crise et de mystère permanent.

Un aquarium mou ayant coulé sur un écran vidéo accueille une plante dont les visions défilent sur l’écran dans une suite de formes abstraites, supposant d’autre intelligences, non-humaines, mais botaniques.

Une série d’artéfacts lumineux semblent communiquer entre eux par signaux lumineux à travers les espaces baignés d’une lumière bleue aux effets ultraviolets.

De longs vers phosphorescents gisent ça et là sur des objets ayant mués.

Suspendue au plafond, une dernière machine, Quantum (2020), semble piloter par des plantes qui en contrôlent la respiration lumineuse et les inquiétantes modulations sonores.

Pour ce dernier workshop en Thaïlande, les designers ont travaillé autour de l’indigo. Ester Manas et Wisharawhish Akarasantisook ont choisi un textile de soie fabriqué dans la province de Surin et joué de son aspect Blue jean pour revisiter les vêtements de travail. Ils sont unisexe et adaptables à toutes les tailles.

Sandrine Rozier est l’un.e des designers reconnu.e.s en France pour sa connaissance de l’indigo et sa grande maîtrise des bains qui en révèlent toutes les nuances. Avec Namfon Laïstrooglai elle ont également joué autour de la matière qui, découpée puis ré-assemblée, donne à ce sac une idée de légèreté et de douceur

Dans le cadre de ce workshop à Chiang Mai, il était surtout question de faire des tests, des alliances, de questionner les matières et de détourner les artisans, avec lesquels les designers ont travaillé, de leurs réflexes. Lorsque Violette Vigneron s’est associée avec Coth Studio ils ont expérimenté de nouvelles possibilités avec le bronze. La légèreté et la grâce de ces chandeliers en est l’étonnant résultat.

Le tandem s’est immiscé dans la vie de cette communauté qui réunit plus de 30 familles d’artisans et qui produit du bois tourné depuis plus de 100 ans. Marier le bois et l’indigo était une première. Le résultat est à chaque fois unique, l’indigo se fixant au bois de manière différente en fonction de son épaisseur, sa couleur d’origine, son âge …

Tous les designers associés à ce premier workshop organisé à Bangkok ont eu l’idée de travailler sur des matières qui évoquaient la rue, si chatoyante et animée, de Bangkok. Thai-Tie et Love seat sont fabriquée avec du rattan, un matériau très utilisé en Thaïlande. Les motifs rappellent les ornements traditionnels locaux. Christian Ghion a choisi un design simple afin que ces deux créations puissent être reproduites aisément par Yothaka.

A Chiang Mai, les designers thaïlandais et français ont travaillé côte à côte sur des créations personnelles. Teerapoj Teeropaas qui a travaillé, entre autres, avec Lauriane Beaunier et Alexandre Dubreuil chez Prempracha, évoque à travers cette série de vases la lenteur de la vie rurale. La texture ciselée rappelle le bambou, spécialité de l’autre fabrique qui a également accueilli ce groupe de designers lors de ce workshop.

Patcharada Inplang est architecte elle s’intéresse aux méthodes de fabrication artisanales et aux matières locales. Elle a saisi l’occasion de ce workshop pour travailler la céramique, qu’elle connaissait peu. En se concentrant sur la technique de moulage, qui est l’un des grands savoir-faire de Prempracha, Patcharada a voulu mettre en évidence les détails bruts des bords issus processus de moulage. C’est donc l’histoire de cette fabrique qu’elle met en avant ici dans ses pièces finales.

Créée en 2001, l’entreprise de meubles Kayu Manis s’est spécialisée en 2007 dans la production de meubles de salle de bain. En travaillant dans cette entreprise, Pascaline de Glo de Besses découvre autre modèle de production : le bois de teck est travaillé principalement à la main, les assemblages sont réalisés selon les règles de la menuiserie. L'atout majeur de cet échange pour l'entreprise a été d'analyser la tendance actuelle des meubles de salle de bain qui, en Europe, sont tout en légèreté. Les matériaux tels que le terrazzo sont également très appréciés. En travaillant le teck sous forme de lamelles, comme cela se fait dans la construction des ponts de bateaux, Pascaline a obtenu un rendu plus léger qu’en le travaillant dans sa masse.

Dans le cadre de ce workshop, l’entreprise Hanoia a accueilli Guillaume Delvigne, Pierre Charrié et Marie-Aurore Sticker-Metral. Ils ont pu découvrir le savoir-faire de la laque que la société de Hanoia maîtrise parfaitement. Ayant carte blanche sur la partie purement créative, ils initié le projet en amont de leur séjour ce qui a permis à l'équipe de Hanoia de réaliser une première série de prototypes bruts. Visites d'ateliers, réunions de travail, échanges avec les artisans et les techniciens, travail sur les plans, choix des couleurs, réflexion sur les effets des matériaux... Cet atelier a donné l’occasion aux 3 designers d'avoir une vue rapide sur toutes les étapes du processus de laquage.

Le processus de développement classique a été accéléré pour que chaque designer puisse obtenir des projets techniquement achevés dans le temps imparti. C'est un exploit, d'autant plus que le processus de mise en œuvre de la laque est particulièrement long, les prototypes ont donc été finalisés après la fin du séjour. Cet atelier, très intense, les a poussés à bousculer leurs habitudes de travail, à faire des choix rapidement et d'affiner rapidement leurs propositions. Chaque designer a proposé cinq projets, leur développement s'est fait de manière collégiale et partagée avec les équipes de Hanoia.

« C’est en 2016 que nous avons fait la rencontre - qui s'avérera déterminante -d'Ousmane Kà, alors que nous préparions notre exposition « Wilwildu ». Il réalise alors, avec son atelier à Dakar, les toiles de nos « transats Nord/Sud ». En février 2019, il nous accueille en apprentissage pour une semaine et nous projetons ensemble de nouvelles collaborations tissées, et notamment ce pagne tissé « Paquebot ». »

« Nous racontons à Ousmane l'histoire du Paquebot Ancerville, sorti des chantiers de Saint-Nazaire en 1961 pour assurer la liaison Marseille/Dakar. Il sera repeint et renommé Minghua après son rachat par la République populaire de Chine en 1973 pour servir ses projets de coopération en Tanzanie. »

« C'est par le tissage que nous avons entrepris de comprendre et partager ce maillage témoin de l'histoire de la mondialisation. Les questions d’interdépendance, de circulation des hommes, des formes et des techniques, des marchandises et matières premières, de l’inéquité de nos économies sont nos fils de recherche. »

« Avec pour seule langue commune le tissage, Sébastiao Yé, assistant d'Ousmane Kà, nous enseigne le nœud de tisserand et l'enfilage du peigne en guidant patiemment nos gestes. »

Nous programmons le motif paquebot selon la méthode Mandjaque apprise auprès d'Ousmane Kà. L'anamorphose créée par les baguettes préparatoires nous rappelle un dessin repéré dans une revue militante anti-coloniale des années 1970.

Cette technique artisanale savante est commune à d'autres cultures tisserandes comme celles de la Chine ou des soyeux lyonnais, et elle a préparé l'avènement des mécanismes Jacquard. En Afrique de l’Ouest, c’est une spécificité des tisserands du Cap-Vert et de la Guinée-Bissau.

« Le paquebot Ancerville apparaît pour la première fois sur notre tissage à Nantes. Nous envoyons une photo à Ousmane Kà via WhatsApp. »

« Le paquebot Ancerville apparaît pour la première fois sur le métier à tisser d'Ousmane Kà à Dakar. Il en fait pour nous une image avant quelques retouches du motif et sa mise en série. »

« Ce nouveau motif issu de notre collaboration avec Ousmane Kà représente le maître tisserand dans la transmission de son savoir. Il se combine avec un motif Mandjaque reconnu qui, nous a-t-on dit, permet de se protéger du vol et de l'usurpation. Nous inscrivons nos trois noms dans l'étoffe pour commémorer ce moment, comme cela se fait souvent sur les pagnes traditionnels ».

« Avec la crise sanitaire du Coronavirus Covid-19, naît l’idée d'un motif Corona car les motifs de pagnes Mandjaques opèrent pour ceux qui les portent sur un mode conjuratoire. La collaboration se poursuit. Le motif est dessiné par Patrick Bernier pour l'atelier tisserand de Tësss, à Saint-Louis-du-Sénégal, dirigé par Maï Diop. Le tissage est réalisé par Assane Diop et son assistant Antoine Mendy, en avril 2020. »