Pour cette exposition, sa première au Brésil, l’artiste s’éloigne des grandes figures en métal des débuts, ainsi que des matériaux nobles qui les composaient (cuivre, laiton), pour se lancer dans le travail du carton, du papier et du plastique, considérés comme des matériaux « pauvres » et dotés d’une esthétique plus brouillonne.

Caroline Mesquita présente une installation vidéo composée d’une grande « cellule mère », dans laquelle le public est invité à pénétrer pour visionner un film créé pour l’exposition. L’œuvre ressemble à un documentaire scientifique, une étude au microscope.

« C’est une promenade dans le corps humain, à l’occasion de laquelle on croise des globules rouges, des bactéries, des virus et beaucoup d’autres micro-organismes au sein de paysages abstraits et colorés. » révèle Caroline Mesquita.

Avec cette nouvelle vidéo, sorte d’exploration onirique à l’intérieur du corps humain, des drames microscopiques flirteront avec le burlesque, tandis que cellules et mondes bricolés se dissoudront l’un dans l’autre. L’artiste espère ainsi nous rendre attentifs aux détails, textures et sons qui irriguent le vivant.

Née en 1989 à Brest, Caroline Mesquita travaille principalement le métal (l’acier, le cuivre, le laiton et l’inox) auquel elle fait subir des expérimentations d’oxydation, avec de l’ammoniac, ou de l’acide chlorhydrique et de la patine, ajoutant parfois de la peinture ou bien des tissus. Autour de ces créations métalliques, elle crée également des environnements sonores et des films de ses performances.

Caroline Mesquita est diplômée de l’École Nationale des Beaux-Arts de Paris (2013), et a étudié à la Mountain School of Arts à Los Angeles (2014). Elle bénéficie de sa première exposition personnelle aux Bains-Douches à Alençon (2014), puis au Parc Saint-Léger à Pougues-les-Eaux (2015), au Jupiter Artland à Edimbourg (2016) et au Kunstverein Langenhagen (2016).

Plus récemment, l’artiste a bénéficié d’une exposition personnelle à la Fondation Ricard à Paris en 2017 dont elle gagne le prix la même année, au 221A à Vancouver (« The Ballad », 2017), au Centre Pompidou à Paris (« Night Engines », 2018) et au Kunsthalle Lissabon (Lisbonne, 2018) et à la Galeria Municipal (Porto, 2019) avec l’exposition « Astray ».

Son travail a également été inclus dans diverses expositions de groupe : Monnaie de Paris (2012), Fondation d’entreprise Ricard (Paris, 2013), Astrup Fearnley Museet (Oslo, 2014), Fahrenheit (Los Angeles, 2014), Galerie Carlier-Gebauer (Berlin, 2014), La Loge (Bruxelles, 2018), Bonniers Konsthall (Stockholm, 2019), Palais de Tokyo (Paris, 2019, « Futur, Ancien, Fugitif »)­­­.

L’artiste développe depuis plusieurs années un travail ambitieux d’installations vidéo, où les éléments sculpturaux jouent le rôle des personnages. Créés en stop-motion, les films ont des accents « méliesques », mais sont aussi inspirés de dessins animés de l’avant-garde polonaise des années 1970.

Dorothée Dupuis, commissaire de l’exposition, est curatrice, critique d’art et éditrice. Elle s’intéresse aux interactions entre art et politique, notamment au travers du prisme des théories féministes et postcoloniales. Après avoir été assistante curatrice au Centre Pompidou, puis directrice de Triangle France à Marseille, elle est désormais curatrice indépendante basée à Mexico et directrice du magazine Terremoto.mx.

Née en 1974, Latifa Echakhch pratique la peinture, la sculpture, la vidéo et l’installation. Elle puise son inspiration dans ses souvenirs, les événements politiques qui l’ont marquée, la littérature, la musique et la poésie. Si les paysages romantiques de son enfance ont eu un profond impact sur son esthétique et sa sensibilité, son vocabulaire formel est influencé par le minimalisme et l’histoire de l’art des années 1960-1970.

Après avoir vécu, pendant plusieurs années à Paris, Latifa Echakhch vit et travaille aujourd’hui à Martigny, dans les Alpes suisses. Récompensée du prestigieux prix d’art contemporain Marcel Duchamp, en 2013, et du Zurich Art Prize en 2015, l’artiste a, aujourd’hui, acquis une reconnaissance internationale. Elle est représentée par les galeries Kamel Mennour (Paris/Londres), Kaufmann Repetto (Milan/New York), Dvir (Tel Aviv/Bruxelles) et Metro Pictures (New-York).

Le titre de l’exposition fait à la fois référence au coucher de soleil et au set artistique ou théâtral – l’installation d’une scène, l’assemblage de décors et d’objets définissant une scène d’action. Latifa Echakhch a souvent utilisé le potentiel d’activation du décor. Les grands rideaux peints présentent des paysages au coucher de soleil, chacun étant lié à une histoire personnelle vécue par l’artiste.

Latifa Echakhch recouvre ici les cimaises de feuilles de carbone bleu. L’artiste combine une référence au bleu Klein et au bleu outremer des paysages romantiques avec le bleu carbone des tracts politiques. Le titre fait référence aux mots prononcés par Yasser Arafat à la fin des années 1960 pour décrire l’enchaînement des revendications politiques et sociales au niveau mondial.

La surface de cette peinture murale représentant une foule de manifestants portant des banderoles est gravement écaillée – comme si les bâtiments eux-mêmes s’effondraient. Dans le contexte d’uneépoque marquée par mes turbulences politiques, économiques et environnementales, l’œuvre suggère la perte des illusions, l'insécurité et l'instabilité, ainsi que l’effondrement de visions communes à l’humanité toute entière.

Cette installation, composée de chapeaux melon noirs posés sur leur calotte et remplis d’encre noire, renvoient à Magritte, à Chaplin ou encore à la série télévisée Chapeau melon et bottes de cuir. L’œuvre symbolise plus largement la figure du poète, du créateur, dont les encres s’apprêtent à se déverser sur le sol pour y faire jaillir formes et paroles.

Une des figures-clés qui organise, à la fois implicitement et explicitement, la démarche de Latifa Echakhch est celle du fantôme. Dans nombre de ses œuvres, l’artiste brille en effet par son absence. Elle présente toujours les vestiges d’une action qui a eu lieu, qu’elle a provoquée et exécutée elle-même, mais ne se met jamais en scène. L’artiste occulte systématiquement la présence des corps, au profit des traces que ceux-ci ont laissées.

Une petite théière est prête à accueillir l’eau de pluie d’une gouttière qui court le long de la toiture du BPS22. Latifa Echakhch reproduit ici le geste de son oncle Saïd qui l’a toujours fasciné. En raison de l’accès limité à l’approvisionnement en eau, à Khouribga, au Maroc, celui-ci avait l’habitude de poser une théière sous la gouttière de sa maison pour la remplir d’eau et ensuite préparer son « thé spécial ».

Au sol, Latifa Echakhch place des habits de fanfare et des instruments de musique, ou encore des tenues de gogo danseur. Ces costumes évoquent l’absence du corps, notion qui joue un rôle majeur dans l’œuvre de l’artiste. Arrachés à leurs contextes respectifs, ces objets sont dépossédés de leur contenu anecdotique et de leur rigidité formelle pour ne conserver que l’intensité du propos allégorique.

Inadelso Cossa vit et travaille au Mozambique en tant que réalisateur, producteur et directeur de la photographie depuis 2006. Son nouveau documentaire The Nights Still Smell of Gunpowder, en cours de développement, a déjà reçu le soutien d’acteurs majeurs.

Synopsis : Préoccupé par les souvenirs fragmentés de mon enfance durant la guerre civile du Mozambique, le réalisateur retourne dans le village de sa grand-mère pour révéler les histoires jamais ébruitées qui hantent encore sa génération.

Coura + Oulèye est le premier long métrage d’Iman Djionne, réalisatrice sénégalaise qui a participé à la résidence d’écriture Realness en 2019 et Berlinale Talents en 2020.

Synopsis : Issues d’une famille polygame, deux jeunes sœurs se découvrent après la mort de leur père lors d’un périple à travers le Sénégal.

Réalisateur brésilien, Francisco Bahia réalise des courts et moyens métrages qui abordent des questions de territoire et d'identité. Babylone est son premier long métrage en tant que réalisateur.

Synopsis : Un immigré haïtien doit enquêter sur la mort d'un vieil ami, et la seule façon de le faire sera d'affronter les forces vaudou, une pratique de laquelle il s'était éloigné par peur.

Réalisatrice, scénariste, productrice et assistante de réalisation vénézuélienne, Valeria Valentina Bolivar a participé à CineQuaNonLab en 2019 et à Berlinale Talents pour son premier long métrage, Sans nom.

Synopsis : Marcela est schizophrène ; elle rencontre Joaquín qui vient d'émigrer du Venezuela où il a laissé son fils. Ils tombent amoureux. Marcela essaie de surmonter sa maladie pour récupérer son fils et fonder une famille.

Réalisatrice kazakhe, Olga Korotko a travaillé avec le réalisateur d’art et essai D. Omirbayev, notamment sur des projets de recherche filmiques en histoire du cinéma. En 2016, elle a été sélectionnée à Berlinale Talents. Son premier long métrage, Bad Bad Winter a été présenté en avant-première à l'ACID en 2018.

A Pair of Leather Clogs est un drame familial et politique sur fond de comédie, situé à Almaty, au Kazakhstan.

Réalisateur thaïlandais, Sompot Chidgasornpongse a travaillé avec Apichatpong Weerasethakul en tant qu’assistant réalisateur sur de nombreux films. Son documentaire Railway Sleepers a été présenté à la Berlinale. 9 Temples to Heaven est son 2e long métrage.

Synopsis : Une famille de neuf personnes accompagne leur grand-mère dans un voyage de mérite dans neuf temples différents, sur une seule journée, dans l’espoir de prolonger sa vie. Mais leur voyage prend une tournure inattendue.

Ash Mayfair est née au Vietnam et a étudié à la NYU Tisch School of the Arts. Son premier long métrage, The Third Wife (2018), a été présenté en avant-première au Festival international du film de Toronto et a remporté le prix du jury NETPAC.

Skin of Youth est une étude sur les conséquences de la remise en question de l'identité, de la féminité et de la famille dans les années 1990 au Vietnam, du point de vue de jeunes qui ne correspondent pas aux normes socialement acceptées.

Née au Monténégro, Sara Stijović est actuellement en dernière année d'école de cinéma à la FDA Cetinje, en spécialisation film documentaire. Aujourd'hui, son premier long métrage, Gina, est en phase de développement.

Synopsis : Gina est l’histoire de Gina Markuš – une jeune Monténégrine emprisonnée dans les années 1950 en Yougoslavie et envoyée sur la Naked Island (Goli Otok) pour purger sa peine. Quelques années avant de se suicider, elle a tout mis sur le papier...

Khaled Mansour a réalisé quatre courts métrages qui ont tous été sélectionnés dans des festivals nationaux et internationaux. L’échappée belle de Mr Rambo est le premier long métrage du réalisateur égyptien.

Synopsis : Un homme peut rester égaré pendant longtemps. Mais une fois qu'il a trouvé son destin, il est capable de le suivre au prix de sa vie. 

Né en 1985, Keywan Karimi est un cinéaste iranien d'origine kurde. En raison des thèmes de ses courts métrages, il a été condamné à plusieurs peines de prison. Assigné à résidence, il n’a pu assister à la première de son premier long métrage, Drum, au Festival du film de Venise en 2016.

Do you know anything about Omid? raconte les années 1980 en Iran, des années sombres juste après la Révolution, au cours desquelles de nombreux prisonniers politiques ont été exécutés et assassinés dans les prisons de la République islamique.

« Mon projet propose, de manière métaphorique, une immersion dans le ventre d’un animal tentaculaire un peu inconnu pour trouver qui nous sommes. Je souhaite que chaque spectateur se sente devenir un tentacule de ce projet. »

L’œuvre filmique de Laure Prouvost pour le Pavillon français prend tantôt la forme d’un voyage initiatique, tantôt celle d’une joyeuse épopée tournée lors d’un roadtrip à travers la France, de la banlieue parisienne au nord de la France, du Palais du Facteur Cheval à la Mer Méditerranée, et jusqu’à Venise.

« Le film est l’élément central à partir duquel l’œuvre est structurée. C’est en quelque sorte la tête de ma pieuvre, c’est-à-dire que l’œuvre va vivre grâce au film mais pas uniquement. »

« Mon installation est un lieu de vie qui se décline dans les profondeurs de notre subconscient. »

« J’aime questionner ce que nous présentons et représentons, qui nous sommes et où nous en sommes, aussi bien personnellement qu’à l’échelle de l’humanité. Il y a aussi l’idée de se fondre et de se mélanger dans des visions plus ou moins fortes qui relèvent plus de la sensation. »

« Les expressions idiomatiques une fois traduites deviennent des images très fortes, comme I will tell you loads of salads ! Peut-être fût-il un temps où l’on se racontait des salades dans les champs ? Cela m’intéresse de connaître toutes ces expressions et de les déconnecter de leur contexte. »

Utilisant à la fois la vidéo, le dessin, la tapisserie, le verre, la céramique, la photographie, la performance et, par-dessus tout, le langage, Laure Prouvost crée des installations immersives qui plongent le spectateur dans un état d’introspection personnelle et collective.

« J’ai l’idée de la pieuvre comme métaphore des origines de notre planète et, en tant qu’être humain, du développement de notre système nerveux. Ses tentacules sont primordiaux, car ils en sont l’extension sensorielle. »

« Un voyage vers notre inconscient. À l’aide de nos cerveaux logés dans nos tentacules, nous creusons des tunnels vers le passé et l’avenir. Suivons la lumière. »

« Ma grand-mère à Roubaix m'a forcé la main pour amener une tapisserie qu'elle a faite à Venise ! »

De Madagascar à Dakar, l’appareil-photo d’Emmanuelle Andrianjafy est son principal atout pour prendre ses marques dans son nouvel environnement. Sa série de photos Nothing’s in Vain offre un discours, nourri de sa propre expérience, sur l’appartenance et la connexion avec le milieu urbain. Ses photos matérialisent ses impressions, ses pensées et racontent la ville à travers les réalités urbaines, les mouvements de migration et de main-d’œuvre.

Le travail de l’artiste sud-africain expose une facette de Johannesburg, révélée à travers l’âme de ses habitants. Souvent en conflit avec leur environnement, les personnages capturés par l’objectif de Fanyana Hlabangane mettent en lumière la particularité de cette ville qui réduit à néant le sentiment d’appartenance, les espoirs et les rêves de chacun.

Le projet d’Andrew Tshabangu témoigne de la vie contemporaine sur l’île de la Réunion à travers sa population et principalement les jeunes, mais aussi la religion, le travail, les transports… Cette série de photographies vient alimenter la pratique de l’artiste déjà tournée vers l’appréciation des choses simples de la vie, des mouvements du quotidien, et ce toujours en noir et blanc.

Adama Jalloh est née en Grande-Bretagne de parents sierra-léonais. Son projet se manifeste comme un outil nécessaire à la définition de sa propre identité, jusque-là partagée entre deux pays d’appartenance. Love Story met en avant l’unicité des diasporas africaines à Londres en les photographiant dans leur quotidien. La photographe cherche à donner de l’authenticité à des scènes banales et offre ainsi un récit de ces communautés.

L’œuvre d’Armet Francis se concentre depuis de nombreuses années sur l’histoire des Noirs et de l’Afrique, non pas d’unpoint de vue documentaire mais avec une vision plus distante et plus spectaculaire. En s’intéressant davantage au moment historique qu’à l’identité des personnes photographiées, l’artiste donne l’impression que sa photographique est tirée d’une fable. 

À l’ère du postapartheid, les clichés de Jodi Bieber donnent la parole à la jeune génération sud-africaine. Issus de milieux sociaux et économiques différents, ces jeunes exposent à leur façon les enjeux de leur pays. Chaque pièce de ce projet donne voix à un individu qui a choisi un mot et une citation.

Pour Roger Anis, la plage est le cadre idéal pour en apprendre plus sur un pays. Shaabi Beaches nous plonge ainsi à travers l’objectif du photographe au cœur de la société égyptienne. Ses photos témoignent de la fréquentation importante des plages par les Égyptiens, 9 ans après la Révolution.

Véritable hymne à l’africanité, Tenir de Fototala King Massassy reprend les symboles des combats menés aux États-Unis et dans le monde en faveur de l’émancipation des Noirs. Désireux d’en donner une image forte, il capture des poings révélant des bagues porte-bonheur, qui donnent, chacune, du poids à leur résistance.

La Renault 12 est l’élément central du projet de Khalil Nemmaoui. En la mettant en scène dans différents contextes, l’artiste joue avec les formes géométriques du véhicule et les paysages arides aux formes irrégulières du Maroc. Le projet vise à s’interroger sur le croisement entre technologie, nature, architecture et mécanique.

À l’aide de collages numériques, Amsatou Diallo offre une réflexion sur la complexité des identités africaines face à la mondialisation. En superposant des scènes de la vie quotidienne des cultures africaines sur des photos de milieux urbains capturés aux États-Unis, en Caroline du Nord, l’artiste crée, le temps d’une image, un espace-temps utopique de multiculturalisme.

Pierre Joseph, né à Caen en 1965, ouvre l’exposition du Palais de Tokyo avec une nouvelle série de Photographies sans fin. Un mur de mûres qui vient compléter ses projets antérieurs Photographie sans fin : champ de blé (1&2) (2016) et Fondation Vincent van Gogh (2018).

Son œuvre, où un seul et même élément est multiplié, empilé, répété jusqu’à l’« indigestion », questionne la singularité dans un monde toujours plus homogène.

Né en 1955 à Colombes, l’artiste présente une série de dessins réalisés entre juillet 2018 et juillet 2019. Il fait de la vie quotidienne le centre de son œuvre et l’aborde à travers différents sujets tels que la météo, l’actualité, les faits sociaux et l’art. Non sans humour, Alain Séchas réagit aux événements de tous les jours en caricaturant ses concitoyens.

« Ce qui m’intéresse, c’est ce qu’une pièce fait à ceux qui la regardent et au contexte plus large dans lequel elle agit, comment elle performe. » L’œuvre de Fabienne Audéoud, née en 1968 à Besançon, se penche sur les stéréotypes liés aux genres et aux circuits économiques des produits de grandes marques.

Née en 1984, à Paris, Carlotta Bailly-Borg présente ici un ensemble de peinture sur verre, donnant vie à la fois à des portraits de personnages androgynes, d’hommes et de femmes. Imbriquées dans cet espace, ces figures cherchent à exister aux yeux du monde.

Adrien Vescosi, né à Thonon-les-Bains en 1981, réalise des teintures sur tissu. Pour cette nouvelle exposition, l’artiste conçoit une peinture sur mesure, en accord avec l’architecture et l’échelle du lieu. Ce tableau monumental, suspendu dans les airs comme dans le temps, accueille le public dans ses plis.

À travers la photographie, le dessin ou encore la peinture, les œuvres de Laura Lamiel trouvent leur essence dans l’espace où elles sont installées. Sur la mezzanine de la grande verrière du Palais de Tokyo, l’artiste décline son « vocabulaire plastique ». Cette installation évoque une prise de conscience individuelle face à l’état actuel du monde.

Née en 1987 à Adélaïde (Australie), Madison Bycroft cherche à provoquer des « frictions et dysfonctionnements » chez les visiteurs. Elle s’intéresse particulièrement au théâtre et à ses mécanismes ainsi qu’à la représentation des genres par le déguisement. Sa nouvelle installation s’inspire de l’humour pince-sans-rire et de la comédie burlesque.

Né à Paris en 1974, Marc Camille Chaimowicz fait partie de ceux qui questionnent la frontière entre l’art et la vie. Il se démarque par sa pratique, reconnaissable grâce à ses motifs floraux sur fonds pastel.

Née à Bordeaux en 1957, Nathalie du Pasquier vit et travaille actuellement à Milan. Son œuvre varie entre bi et tridimensionnalité.

Pour cette exposition, l’artiste a installé quatre « musées miniatures » où sont exposés à la fois son propre travail et celui des artistes qu’elle affectionne.

Né à Fontaine-lès-Dijon en 1988, le peintre Antoine Château aime exploiter de nombreuses surfaces et matières. Pour « Futur, ancien, fugitif », assiettes en cartons, boîtes en plastique, bols en céramiques lui servent de support pour constituer un horizon vif et coloré.

Les œuvres de Martin Belou, né en 1986 à L’Union, se composent d’éléments organiques, d’objets et de personnes qu’il dispose dans des environnements modifiés.

L’environnement créé pour l’exposition est habité de fumée, d’une forêt d’agaves qui semble pousser dans un lieu précaire et imaginaire. Constamment en mouvement, l’espace est modifié par la lumière, les particules, ou encore par le passage des visiteurs.

Jean-Luc Blanc, né en 1965 à Nice, ferme le parcours de l’exposition avec une sélection d’œuvres de peintures et dessins habités par la folie. Ses œuvres viennent marquer les visiteurs de l’exposition pour qu’ils emportent avec eux la persistance de ces visages, dans leurs rétines. « Mais comment faire taire les images sans se mordre la langue ?», interroge l’artiste.

Ce film retransmis en boucle dans plusieurs salles du Pavillon retrace le voyage entrepris par Laure Prouvost et douze autres personnages, de la banlieue parisienne à Roubaix, passant par Marseille pour terminer à Venise.

« L’idée de départ était de faire un voyage vers un ailleurs idéal nous permettant d’apprendre à mieux nous connaître, en tant qu’hommes, femmes, jeunes, vieux, d’origine française ou étrangère. » (Laure Prouvost)

Sur cette tapisserie confectionnée pour l'exposition intervient comme l'un des nombreux tentacules liés à l'œuvre centrale. On y retrouve les personnages du film.

Artiste pluridisciplinaire, Laure Prouvost travaille la vidéo, le dessin, la tapisserie, la céramique, la photographie ou encore le verre.

Laure Prouvost entretient une relation particulière avec le langage. Une fascination qu'elle nourrit de son expérience personnelle notamment suite à son installation à Londres. L'artiste se joue des décalages entre langue maternelle et langue adoptive pour concevoir ses œuvres.

L'exposition repose sur l'idée de faire que chaque spectateur se sente devenir un tentacule de ce projet. Tout comme le propos du film qui en est la tête, l'artiste invite chaque personne, avec son histoire, à participer à la formation d'un « tout ».

Pour cette exposition, Laure Prouvost a travaillé dans les usines de verre de Murano, à proximité immédiate de la Biennale. 

Dans cette salle, l'artiste a disposé des éléments du quotidien comme engloutis dans la mer en référence aux désastres écologiques. L’utilisation du verre lui permet de créer un « jeu sur la transformation de la liquidité et de la lumière ».   

L’œuvre de Laure Prouvost fait écho au terme de « modernité liquide », formulé par le sociologue polonais Zygmunt Bauman. Le concept définit un monde post-moderne régi par l’immédiateté et la communication, qui font disparaître les liens ancrés entre les hommes et les corps. Il révèle la fragilité d’une société basée sur l’individualisme et le changement permanent.

Artiste-peintre, Sogol Ahmadieh Kashani concentre son travail sur les problématiques humaines dans différentes sociétés, via le prisme des émotions telles que la solitude ou la perplexité. Elle exprime plus particulièrement l’impact des environnements urbains et des espaces peuplés sur les conditions de vie des êtres vivants à travers un langage à la fois abstrait et inclusif.

Hugo de Almeida Pinho associe des recherches théoriques à des propositions métaphoriques en développant une pratique qui prend en compte la nature des images et leur capacité à altérer la réalité et la perception. Travaillant principalement sur des contextes culturels, historiques et sociopolitiques spécifiques à travers une variété de médiums, le travail de l'artiste vise à refléter la construction historique de la manière dont la technologie façonne notre perception.

Juana García-Pozuelo développe à Paris un travail pictural autour du Musée de la Vie Romantique et de sa collection. L’artiste-peintre a toujours été intéressée par la relation établie entre un bâtiment et ses habitants, ainsi que par la trace des significations attribuées par certains à des lieux qui, sinon, resteraient anonymes.

Feng Li est l’auteur de la série de photographies White Night, commencée en 2005. À travers des scènes quotidiennes qui se déroulent dans la ville de Chengdu, il capture délicatement la faune humaine et urbaine sous toutes ses coutures. Son ouvrage, White Night (2017) a été sélectionné aux Aperture PhotoBook Awards et a remporté le Prix Jimei x Arles Discovery. Ses œuvres ont été exposées aux Rencontres d’Arles en 2018.

Les projets de Carl-Oskar Linné prennent pour point de départ des lieux. L’artiste plasticien et photographe rassemble textes, slogans, interviews, rapports et statistiques, qu’il associe à des éléments visuels. Les œuvres prennent souvent la forme de signes sculpturaux. Les thèmes de l’urbanisme, la spéculation immobilière et la pauvreté y occupent une place centrale.

Artiste visuelle, Asya Marakulina poursuit le développement de son projet Clouded Education, basé sur des observations du mouvement et de la forme des nuages, à travers photographies, croquis et textes. Information visuelle qui, selon l’état du spectateur, peut être perçue différemment, les nuages constituent pour elle une substance éducative universelle. L'artiste prévoit de faire un ouvrage des observations recueillies à Paris.

Joubeen Mireskandari photographie des sujets dans son studio, en même temps qu’il capture leur image en ville afin de dévoiler des portraits aux visages multiples. La photographie de portrait dans son atelier devient un lit freudien où les attitudes et les états mentaux de ses sujets se dévoilent, alors que l’objectif de son appareil fait le récit de leurs origines sociales et culturelles.

À travers une pratique artistique mêlant art vidéo, cinéma et composition musicale, Anna Rotaenko travaille sur une série graphique, intitulée « Where is the magic » qui dissèque les relations post-capitalistes avec l'art, notamment à travers l’enregistrement de conversations systématisées par le biais de diagrammes statistiques. Œuvre vidéo ironique, Killer Pool reprend les publicités utopiques d’une île paradisiaque, où le spectateur peut se détendre pleinement.

Hemant Sreekumar travaille actuellement sur les stratégies émergentes d'écoute collaborative, qui rendent la frontière entre interprète et auditeur, entre artiste et public plus perméable. Performances, impressions, œuvres fondées sur la lumière… : ses travaux répondent aux notions de décroissance, de biais génératif et de perte sémantique.

Cosmos présente une histoire abstraite construite à partir d’une série d’objets. Fonctionnant comme un diaporama, l’installation – qui tire son titre du livre de Witold Gombrowicz paru en 1965 – explore la manière dont nous construisons les sens.